Résonance entre la culture amérindienne et la mode : À qui appartiennent les motifs sacrés ? La question soulevée par le lancement de 〈Hosh〉

Table des matières

1. Introduction : Qu'est-ce que le phénomène "Hosh" ?

2. La soirée qui a illuminé Higashimura

3. Portraits des artistes et modèles participants

4. Stratégie de marque et contexte de l'industrie de la mode

5. Éloges et critiques reflétés par les réseaux sociaux

6. Réexamen de l'appropriation culturelle et de la représentation

7. La voix des créateurs autochtones

8. Suggestions pour les lecteurs japonais

9. Conclusion : Pour continuer la "co-création"

1. Introduction : Qu'est-ce que le phénomène "Hosh" ?

À la mi-juin, le mot a instantanément envahi la scène artistique et l'industrie de la mode à New York.The New York Times a publié un article sur l'événement intitulé "Launch Party", qui a été partagé plus de 20 000 fois en 12 heures, et les mots associés ont dominé les tendances sur X (anciennement Twitter).reddit.com

est une nouvelle marque de style de vie cofondée par le designer Evan Blackthunder (d'origine Navajo/Hopi) du sud-ouest des États-Unis, avec pour mission de "transposer l'art autochtone contemporain dans la vie urbaine". Cet événement était une soirée pour célébrer son lancement, tout en se proclamant "célébration de l'art contemporain amérindien".

2. La soirée qui a illuminé Higashimura

Le lieu choisi, "The Hole Gallery", est connu pour ses curations qui brouillent la frontière entre culture de rue et art de haut niveau. Le 12 juin à 20h, un tapis à motifs de perles était déroulé devant la galerie, accueillant les invités avec des totems inspirés des sculptures en bois de coton des Hopis. À l'intérieur, des animations de peintures de sable étaient projetées sur les murs. Au fond, l'unité de musique électronique "Red-Cedar Beats" et un flûtiste Navajo se produisaient ensemble, mêlant rythmes et mélodies de prière.

Au bar, le cocktail aux couleurs du coucher de soleil "Four Directions" était servi, et un stand permettait de créer des foulards en soie teints naturellement sous la direction de la teinturière Dee Begay (de la tribu Diné).NYT rapporte que parmi les quelque 300 invités, plus de la moitié étaient des créateurs ou modèles d'origine autochtone.pechanga.net

3. Portraits des artistes et modèles participants

Il est à noter que la soirée ne s'est pas limitée à un simple événement de mode, mais a fonctionné comme un "carrefour" de l'art contemporain autochtone. Par exemple, la famille de feu Jaune Quick-to-See Smith a présenté pour la première fois une nouvelle série d'œuvres intitulée "Urban Land Back".en.wikipedia.org

Un autre modèle qui a attiré l'attention était Philip Bread (originaire du Nouveau-Mexique, de la tribu Lake Pebble). Il a défilé sur le podium vêtu d'une robe drapée d'une couverture traditionnelle, et sur les réseaux sociaux, le hashtag "Regalia Reimagined" a généré plus de 100 000 publications.

4. Stratégie de marque et contexte de l'industrie de la mode

Le modèle économique proposé par 〈Hosh〉 repose sur trois piliers : « design = créateurs autochtones, fabrication = ateliers de commerce équitable, réinvestissement de 1% des bénéfices dans un fonds pour l'éducation artistique ». Par exemple, la première collection de chemises en soie "Sand Painting No.5" s'inspire des cérémonies de peinture sur sable des Navajos, tout en déclarant qu'une partie des ventes sera reversée au programme artistique du lycée de Wind Rock. Ces marques de type « social good » reçoivent un fort soutien de la part de la génération Z, mais présentent également le risque de devenir un terreau pour la « consommation de récits ».

5. Louanges et critiques reflétées par les réseaux sociaux

Parmi les voix positives, l'utilisateur X @barrymosk a salué l'événement comme « une belle célébration digne de la culture ».

En revanche, sur TikTok, le hashtag #CultureNotCostume a connu une forte hausse, avec de nombreuses vidéos critiquant l'utilisation de la spiritualité autochtone comme matériau « instagrammable ». Une image d'influenceurs portant des coiffes à plumes s'est répandue, et une vidéo explicative soulignant que les coiffes sont sacrées et réservées aux guerriers et aux anciens a dépassé 1,2 million de vues en 24 heures.

Sur le fil Reddit r/NYTauto, le débat s'est intensifié, avec des critiques affirmant que « le NYT prend trop pour argent comptant les communiqués de presse des marques », tandis que d'autres commentaires défendaient l'article comme une preuve de la diversification des médias grand public.reddit.com

6. Repenser l'appropriation culturelle/représentation

Le terme « appropriation culturelle » peut parfois conduire à des simplifications, mais dans ce cas, il est nécessaire de réfléchir à trois niveaux : ① à qui reviennent les bénéfices commerciaux, ② la spiritualité et la ritualité sont-elles consommées hors contexte, ③ les voix des parties prenantes sont-elles intégrées dans la prise de décision. 〈Hosh〉 inclut des parties prenantes autochtones parmi ses cofondateurs et promet une redistribution des revenus, répondant ainsi à certaines exigences de « représentation », mais des participants à des ateliers ont exprimé des préoccupations concernant le traitement de la spiritualité, affirmant que « l'extraction d'éléments rituels pour des expériences de courte durée est problématique ».

7. Voix des créateurs autochtones

La teinturière Dee Begay, interrogée, a déclaré : « Nos techniques et motifs ne sont pas simplement des 'éléments de différenciation du design'. Teindre le tissu est une prière qui capture la mémoire de la terre. » Jack Woods (Cherokee / vidéaste) a averti que « la multiplication de ce type d'événements élargit les perspectives de carrière des jeunes artistes autochtones, mais comporte également le risque que 'l'identité autochtone' devienne une étiquette commerciale ».

8. Implications pour les lecteurs japonais

Au Japon également, la consommation de la culture Aïnou et de la culture Ryukyu en tant que souvenirs touristiques pose souvent des problèmes d'équilibre avec la préservation de l'authenticité. Le cas de 〈Hosh〉 montre que « la meilleure façon de protéger la culture est que les parties prenantes prennent activement position en amont du cycle économique », tout en soulignant que « dès qu'elle entre dans l'espace commercial, le sacré et le profane vacillent inévitablement ». Lors de la modernisation de l'artisanat populaire au Japon, il sera également nécessaire de redéfinir soigneusement la place du design et de la prière.

9. Conclusion — Pour continuer la « co-création »

Vers la fin de la fête, la salle s'est transformée en une danse en cercle, les participants se tenant par la main et suivant les pas en réponse aux chants d'un chanteur autochtone. C'était un moment où la frontière entre « spectateurs » et « interprètes » s'estompe et où la culture s'anime en tant que bien commun. Cependant, pour transformer cette joie en une co-création durable,

• la transparence des retours économiques

• le traitement approprié des éléments spirituels

• les efforts de contextualisation par les médias
  sont indispensables. 〈Hosh〉 n'en est qu'à ses débuts. Nous voulons suivre leur parcours lors de leur prochaine visite à New York — et voir ce que nous pouvons en apprendre.

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