La resonancia entre la cultura nativa americana y la moda: ¿A quién pertenecen los patrones sagrados? La pregunta planteada por el lanzamiento de 〈Hosh〉

Índice

1. Introducción: ¿Qué es el fenómeno "Hosh"?

2. La fiesta que iluminó la noche de Higashimura

3. Perfil de los artistas/modelos participantes

4. Estrategia de marca y contexto en la industria de la moda

5. Elogios y críticas reflejados en las redes sociales

6. Reevaluación de la apropiación cultural/representación

7. Voces de los creadores indígenas

8. Sugerencias para los lectores japoneses

9. Conclusión: Para continuar con la "co-creación"

1. Introducción: ¿Qué es el fenómeno "Hosh"?

A mediados de junio, la palabra arrasó instantáneamente con la escena artística y la industria de la moda de Nueva York.The New York Times publicó un artículo sobre el evento titulado "Launch Party", que superó las 20,000 comparticiones en 12 horas tras su publicación, y las palabras relacionadas ocuparon los primeros lugares en las tendencias de X (anteriormente Twitter).reddit.com

es una marca emergente de estilo de vida cofundada por el diseñador Evan Blackthunder (de origen Navajo/Hopi) del suroeste de Estados Unidos, con la misión de "llevar el arte nativo contemporáneo a la vida urbana". El evento fue una noche para celebrar su lanzamiento y al mismo tiempo proclamó ser una "celebración del arte contemporáneo nativo americano".

2. La fiesta que iluminó la noche de Higashimura

El lugar elegido, "The Hole Gallery", es conocido por su curaduría que difumina las fronteras entre la cultura callejera y el arte elevado. A las 8 p.m. del 12 de junio, una alfombra con patrones de trabajo de cuentas se extendió frente a la galería, y un tótem inspirado en las esculturas de algodón Hopi dio la bienvenida a los invitados. Al entrar, una animación de pintura de arena se proyectaba en las paredes mediante mapeo de proyección. Al fondo, la unidad de música electrónica "Red-Cedar Beats" y un flautista Navajo actuaron juntos, entrelazando ritmos y melodías de oración.

En el bar, se sirvió el cóctel de color atardecer "Four Directions", y en un stand, se podía experimentar la creación de pañuelos de seda con tintes naturales bajo la dirección de la tintorera Dee Begay (de la tribu Diné).Según un artículo de NYT, los invitados fueron alrededor de 300 personas, de las cuales más de la mitad eran creadores o modelos con raíces indígenas.pechanga.net

3. Perfil de los artistas/modelos participantes

Cabe destacar que la fiesta no se limitó a ser un evento de moda, sino que funcionó como un "cruce" de arte indígena contemporáneo. Por ejemplo, la familia del fallecido Jaune Quick-to-See Smith presentó por primera vez la nueva serie "Urban Land Back".en.wikipedia.org

Además, el modelo que atrajo la atención fue Philip Bread (de origen Lake Pebble, de Nuevo México). Desfiló en la pasarela con un vestido drapeado con una manta de banda tradicional, y en las redes sociales se compartieron más de 100,000 publicaciones con el hashtag "Regalia Reimagined".

4. Estrategia de marca y el contexto de la industria de la moda

El modelo de negocio que propone 〈Hosh〉 se basa en tres pilares: "diseño = creadores indígenas, fabricación = talleres de comercio justo, reinversión del 1% de las ganancias en un fondo para la educación artística". Por ejemplo, la primera colección de camisas de seda "Sand Painting No.5" se inspira en las ceremonias de pintura de arena navajo y se ha comprometido a donar parte de las ventas generadas al programa de arte de la escuela secundaria Windrock. Estas marcas de "bien social" reciben un fuerte apoyo de la Generación Z, pero también conllevan el riesgo de convertirse en un caldo de cultivo para el "consumo de historias".

5. Elogios y críticas reflejados en las redes sociales

Como comentario positivo, el usuario de X @barrymosk elogió diciendo que es "una hermosa celebración digna de la cultura".

Por otro lado, en TikTok, la etiqueta #CultureNotCostume ha subido rápidamente, y han aparecido numerosos videos críticos que dicen "no conviertas la espiritualidad indígena en material para 'lucir bien en Instagram'". Las imágenes de influencers usando tocados con plumas se han difundido, y un video explicativo que señala que "los tocados son sagrados y se otorgan a guerreros o ancianos" superó 1.2 millones de reproducciones en 24 horas.

En el hilo de Reddit r/NYTauto, el debate se ha intensificado, con críticas que dicen "el NYT se traga demasiado los comunicados de prensa de las marcas" y comentarios en defensa que afirman "este tipo de artículos son una prueba de la diversificación de los medios principales".reddit.com

6. Reconsideración de la apropiación cultural/representación

El término "apropiación cultural" a veces puede llevar a simplificaciones, pero en este caso es necesario considerar tres capas: ① a quién pertenecen las ganancias comerciales, ② si la espiritualidad o ritualidad se consumen fuera de contexto, y ③ si las voces de los involucrados están incluidas en la toma de decisiones. 〈Hosh〉 incluye a personas indígenas entre sus cofundadores y promete redistribuir las ganancias, cumpliendo así con ciertos "requisitos de representación", pero en cuanto al manejo de la espiritualidad, algunos participantes del taller opinaron que "extraer elementos rituales para experiencias de corta duración es en sí mismo problemático".

7. Voces de los creadores indígenas

La tintorera Dee Begay, quien fue entrevistada, dijo: "Nuestras técnicas y patrones no son simplemente 'elementos diferenciadores de diseño'. El acto de teñir telas es una oración que captura la memoria de la tierra". Jack Woods (cherokee/videoartista) advirtió: "El aumento de espacios como este amplía las trayectorias profesionales de los jóvenes creadores nativos, pero al mismo tiempo, el 'ser nativo' corre el riesgo de convertirse en una etiqueta de producto".

8. Implicaciones para los lectores japoneses

En Japón, también suele ser un problema equilibrar el consumo como souvenirs turísticos y la preservación de la autenticidad en torno a la cultura ainu y la cultura ryukyu. El caso de 〈Hosh〉 sugiere que "la mejor estrategia para proteger la cultura es que los involucrados se coloquen proactivamente en la parte superior del ciclo económico", pero al mismo tiempo, "una vez que entra en el espacio comercial, lo sagrado y lo secular siempre se tambalean". Al modernizar el arte popular en Japón, también será necesario redefinir cuidadosamente la posición del diseño y la oración.

9. Conclusión: para continuar con la "co-creación"

Al final de la fiesta, el lugar se transformó en un baile en círculo, donde los asistentes se tomaron de las manos y bailaron al ritmo de la llamada y respuesta de los cantantes indígenas. En ese momento, se desdibujaron las fronteras entre "espectadores" e "intérpretes", y la cultura cobró vida como un bien común. Sin embargo, para transformar esa alegría en una co-creación sostenible,

• la transparencia en los retornos económicos

• el manejo adecuado de los elementos espirituales

• el esfuerzo de contextualización por parte de los medios
  son indispensables. 〈Hosh〉 apenas ha comenzado su camino. Estaremos atentos a cómo avanzan cuando vuelvan a visitar Nueva York y qué podemos aprender de ello.

Artículo de referencia