„Sly & Robbie“ letztes Kapitel: Der Mann, der Bass und Rhythmus definierte, Sly Dunbar, ist verstorben

„Sly & Robbie“ letztes Kapitel: Der Mann, der Bass und Rhythmus definierte, Sly Dunbar, ist verstorben

„Jake Savona mit Sly & Robbie (2015)“ © Vintagesounds (Foto: Lara Merrington), CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons (keine Änderungen)


Wenn man Reggae hört, hat man manchmal den Moment, in dem man sich täuscht und denkt: „Dieser Rhythmus existierte schon immer in der Welt.“ Aber in Wirklichkeit ist dieses „Selbstverständliche“ die Erfindung von jemandem, die Gewohnheit von jemandem, das Lebenswerk von jemandem. Die Nachricht vom Tod von Lowell „Sly“ Dunbar hat genau das deutlich gemacht. Eine Präsenz, die sich im Hintergrund des Beats verbarg und Tausenden von Songs Leben einhauchte, verschwindet plötzlich. Die Musik bleibt, aber nur eine Stille, als ob das Herz aufgehört hätte zu schlagen, breitet sich aus.


Berichten zufolge verstarb Sly Dunbar in seinem Haus in Kingston, Jamaika. Die Familie gab eine Erklärung ab, in der sie sagte, dass sein Talent, seine Innovationskraft und sein generationsübergreifender Beitrag niemals vergessen werden würden, und fügte Worte des tiefen Dankes und der Unterstützung hinzu. Die plötzliche Nachricht löste eine sofortige Reaktion aus, von der politischen Szene in Jamaika über Musikschaffende bis hin zu Hörern in verschiedenen Ländern, die weit entfernt sind, weil es nicht nur die Todesnachricht einer Berühmtheit war, sondern der Abschied einer Person, die die „Grundlagen der Musik“ gelegt hat.


Man kann nicht über Sly Dunbar sprechen, ohne das legendäre Duo „Sly & Robbie“ zu erwähnen, das er mit dem Bassisten Robbie Shakespeare bildete. Die beiden waren nicht nur ein berühmtes Duo. Sie waren ein „beweglicher Standard“, der das Rückgrat der Rhythmen von Reggae, Dub und Dancehall im Aufnahmestudio ständig erneuerte. Sie haben die gängige Vorstellung, dass „der Schlagzeuger hinten steht“, immer wieder umgestoßen. Es ging nicht darum, dass Schlagzeug und Bass in den Vordergrund treten, sondern darum, den Schwerpunkt des Songs neu zu gestalten und eine „Basis, auf der Gesang, Gitarre und Synthesizer nur aufbauen können“, zu schaffen. Diese Arbeit haben sie ganz selbstverständlich fortgesetzt.


Musikalische Innovation entsteht nicht nur durch auffällige Soli oder ungewöhnliche Klänge. Vielmehr lag Slys Größe im Design von „Verschiebung“ und „Zwischenräumen“. Es wird gesagt, dass das angenehme Gefühl von Reggae im Offbeat liegt, aber es reicht nicht, den Offbeat einfach zu verzögern oder zu springen. Ist es zu hart, wird es mechanisch, ist es zu weich, verschwimmt die Kontur. Slys Schlagzeug zielte darauf ab, diese Grenze zu treffen und zu variieren. Als Ergebnis klingt der Ton leicht, aber der Körper bewegt sich schwer von selbst. Man kann tanzen, aber auch tief versinken. Damit Reggae als „Klang“ im Dub expandierte und sich weiter als „Sprache der Straße“ im Dancehall verband, war ein Übersetzer dieses Körpergefühls notwendig. Und Sly stand im Zentrum davon.


Rückblickend auf seine Karriere ist sein Einfluss erstaunlich weitreichend. Die Anerkennung, die er in Jamaika erlangte, führte ihn schließlich in Studios auf der ganzen Welt. Er überschritt die Grenzen von Reggae und kreuzte mit großen Namen aus Rock und Pop, löste die Barrieren von Grenzen und Genres ganz selbstverständlich auf. Wichtig ist hier, dass Sly nicht nur als „Gast eingeladen“ wurde. In vielen Kollaborationen wurde nicht nach „reggaeartigen Verzierungen“ gefragt, sondern nach der Überzeugungskraft des Rhythmus, der den Song trägt. Das heißt, er wurde nicht zur Oberfläche der Musik, sondern zum Gerüst eingeladen.


Darüber hinaus hatten Sly & Robbie nicht nur als Musiker, sondern auch als Produzenten einen großen Einfluss. Sie besaßen ihr eigenes Label/ihre eigene Basis und verbreiteten ihre Vorstellungen von Rhythmus und Aufnahme, um die Grundlage für die nächste Generation von Musik zu erweitern. In der Ära, in der sich Dancehall beschleunigte, schufen sie eine „robuste Karosserie“, die die Riddim-Kultur unterstützte und es vielen Stimmen ermöglichte, einzusteigen. Riddims wurden nicht nur zu Begleitungen, sondern zu einem gemeinsamen städtischen Gut. Slys Arbeit bestand auch darin, sicherzustellen, dass dieses gemeinsame Gut ein „zeitloser Standard“ blieb, indem er es ständig erneuerte und anpasste.


Als die Nachricht von seinem Tod bekannt wurde, verwandelten sich die sozialen Medien sofort in eine „Gedenksession“. Zuerst fielen die Posts von jamaikanischen Medien, Rundfunkanstalten und kulturtragenden Accounts auf, die nacheinander posteten und seine Verdienste in kurzen Worten festhielten. Darauf folgten die Worte der allgemeinen Hörer wie „Ich habe durch deinen Beat Musik gelernt“ und „Du warst hinter Tausenden von Songs“. Interessant ist, dass zuerst über „Riddim“, „Groove“ und „Schlagzeugklang“ gesprochen wurde, bevor die Songtitel erwähnt wurden. Normalerweise dreht sich eine Gedenkfeier um die bekannten Songs. Aber im Fall von Sly wussten alle intuitiv, dass er das „Rückgrat der Songs“ war.


Auch von prominenten Persönlichkeiten kamen zahlreiche Nachrufe. Der britische Dub/Reggae-DJ David Rodigan nannte Sly eine „wahre Ikone“ und würdigte ihn als großartigen Schlagzeuger, der an unzähligen Aufnahmen beteiligt war. Solche Worte treffen, weil Slys Leistungen eher einer „Aktualisierung der Musiksprache“ als dem „Erfolg einer bestimmten Band“ nahekommen. Auch von Künstlern, die lange mit ihm zusammengearbeitet haben, kamen Posts wie „unglaublich“ und „unaussprechliche Trauer“, was die Intensität der Beziehungen im Produktionsumfeld verdeutlicht.


In Jamaika war auch der offizielle Ton der Trauer beeindruckend. Der Premierminister nannte Sly einen „Architekten des Klangs“ und betonte den Wert seines kulturellen Erbes. Dass der Anführer eines Landes bei der Nachricht vom Tod eines Musikers den Ausdruck „Sound Designer“ verwendet, zeigt, dass seine Arbeit das Gesicht des Landes, der Kern des kulturellen Exports, war. Reggae wird weltweit geliebt, wurde aber lange als „Randmusik“ behandelt. Diese Vorurteile wurden von Slys Generation mit technischer Expertise und Ergebnissen vor Ort überwunden.


Auf den sozialen Medien zeigten sich verschiedene Formen der Trauerbekundung. Eine Form war das kurze „RIP“ mit Tauben- oder Trommel-Emojis und einem Hashtag wie #SlyDunbar als „Signal“. Eine andere Form war der lange Text, der konkrete Erinnerungen erzählt, wie „Der Snare dieses Songs hat mein Leben verändert“ oder „Alle Aufnahmen dieser Zeit klingen nach dir“, um Sly als Teil der persönlichen Geschichte neu zu verankern. In den Posts von Musikern tauchten oft Worte wie „Lehrbuch“, „Forschungsobjekt“ und „Zielpunkt“ auf. Nicht Bewunderung, sondern Ehrfurcht vor der Technik. Darin liegt seine Einzigartigkeit.


Der Tod von Sly Dunbar bedeutet nicht das Ende der Reggae-Geschichte. Im Gegenteil, es wurde zu einem Ereignis, das bestätigte, wie sehr der von ihm hinterlassene „Standard“ in die moderne Musik eingedrungen ist. Die Raumbehandlung des Dub, die Antriebskraft des Dancehall und sogar das gelegentliche „Verschieben“ des Pop. Wenn man die Quelle des angenehmen Gefühls, das man irgendwo gehört hat, zurückverfolgt, sieht man manchmal Slys Schatten. Auch wenn die Generationen, die seinen Namen nicht kennen, zunehmen, wird er weiterleben, solange die Grammatik des Beats bleibt.


Abschließend, wenn man die Worte des Gedenkens aus der „Perspektive des Schauplatzes“ umformulieren würde, wäre es so: Sly Dunbar war nicht jemand, der die Musik auffällig schmückte. Er war jemand, der die Musik stützte, damit sie nicht umfällt, sie vorwärts schob und den Atem regulierte, damit man weiter tanzen konnte. Deshalb ist der Verlust durch sein Fehlen groß. Aber gleichzeitig wird der von ihm hinterlassene Puls irgendwo auf der Welt weiter erklingen.


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